JUGANDO CON ARTE: es Color,no color, creatividad, expansión, expresión, magia, pasión, tantos sentimientos y valores que nos da el Arte y su creación, con los que podemos jugar y disfrutar expandiendo lo mejor que hay en cada uno de nosotros.
A continuación se presenta una secuencia, sincronizada de imágenes con sonidos del folclore, musical, de la península ibérica, cuyo objetivo sería transmitir la cultura tradicional, dentro del folclore, de dicha península. Estaría dedicado a niños de cinco años de edad, aproximadamente. Aunque cualquier niño, puede ser espectador de los bips de inteligencia, sea cual sea su edad, ya que están dedicados al aprendizaje progresivo, a partir de su visualización, mediante procesos neuronales que logran que los niños mejoren la atención, desarrollen la concentración, además de estimular y desarrollar el cerebro, la memoria y el aprendizaje.
Somos cívicos, educados y en el museo se guarda silencio porque es un sitio serio, AMÉN.
Así somos los humanos, desnaturalizamos la vida y creamos espacios para la seriedad cuando deberían ser de creación, libertad, armonía y expresión, lugares para compartir y enriquecernos el espíritu. El Arte está en cada uno de nosotros, eso pienso, pero nos prohíben constantemente expandir nuestra imaginación, dejarnos fluir y abrir la mente para poder ir más allá, para des-aprender y poder ser críticos, para luchar por nuestros propios intereses y no por los que nos son impuestos, para no cerrarnos en un arte de clases en cajas de aparente atractivo exterior pero que sólo son burocracia y artesonado que nos encajona sin dejarnos fluir como individuos participativos de lo que es nuestro, porque somos los creadores: la cultura. Ello, en mi opinión, son muchos de los museos que visitamos. Por lo que decidí participar en una serie de propuestas y experiencias dirigidas desde el Colectivo Catenaria, formado por cinco chicas estudiantes de Arte, con gran iniciativa social y artística a la que cualquiera con inquietudes puede unirse y colaborar.
Como se dice en el blog del colectivo ya citado:
El espacio museístico se entiende como un producto cultural, social y político, definido históricamente por su contexto y utilidad. En las últimas décadas, se ha desarrollado una tendencia hacia la diversificación de los espacios, especialmente encaminada a la introducción de procesos de reflexión, debate y participación. No obstante, estas iniciativas no necesariamente han logrado una intervención real de los públicos que lo visitan.
Dentro de la experiencia vivida en el museo se plantean estas preguntas con su consecuente planteamiento del proyecto: ¿Qué se puede y no hacer en un museo? ¿Cómo se establecen los criterios de conducta permitidos en este espacio? ¿Cuales son los dispositivos de interpretación que posibilitan unas determinadas experiencias estéticas y no otras? Proponemos generar lugares de encuentro e intercambio dentro de los museos, a partir de los que construir estrategias dirigidas a visibilizar y subvertir temporalmente los dispositivos que articulan lo que allí sucede.
En cuanto al momento de acción en el museo ocurrieron momentos de tensión con los comisarios que vigilan las salas y momentos de risas entre ellos también. Decir que todo dependía del carácter del comisario y en algunas ocasiones de la acción llevada a cabo; por ejemplo si se trataba de una visita aparentemente seria, en la que se hablase de un cuadro entonces no solían decir nada aunque hiciésemos acciones algo fuera de lo "normal", véase el siguiente vídeo:
Visita guiada: veneración a Dalí
En cambio si se trataban de acciones algo más disparatadas como: mirar un cuadro en perspectiva contorsionando el cuerpo, hacer la conga, una visita con silbidos, una meditación teniendo como punto central una obra, reírse varios a la vez etc. entonces lo normal es que llamasen la atención, aunque incluso si te sentabas en el suelo para hablar.
Acción: reír
.
Algunas experiencias, dispuestas en el blog de catenaria, las participaré en esta entrada a continuación, ya que me resultaron muy interesantes (si se quieren visualizar más se puede acceder al blog del colectivo a través del enlace inicial).
Acción- meditación en torno a piezas escultóricas
Ubicación- Sala 413 y Sala 417
Obra- Hombre y Mujer, Antonio López, y Yunque de sueños XIII, 1962
Isabel, (yo) como guía, dirigió una breve sesión de meditación en relación a la forma de las obras y la espacialidad, ofreciéndonos una experiencia totalmente distinta a la que estamos acostumbrados en los espacios museísticos.
Indicaciones de los/as guardas- En la primera sala, ninguna. En la segunda fuimos rápidamente limitados por dos guardas que nos preguntaron sin teníamos licencia para hacer eso y que nos explicaron que no está permitido montar ningún espectáculo sin autorización. Le preguntamos que por qué y nos dijo que prácticamente no se podía hacer nada en el museo, que se saliera de los “normal” y que los guardas de sala mandan.
Acción- comunicación a través de silvidos
Ubicación- Sala 406
Obra- Dama, Antonio Saura
Manuela tomó el role de guía, pero se acabó estableciendo una conversación/discusión acerca de la interpretación de la obra de Saura únicamente a partir de silvidos
Indicaciones de los/as guardas- ninguna.
Observaciones- No hubo ningún problema en esa sala, pero al pasar a la siguiente en seguida se nos obligó a dejar de silvar.
visitas en fila
Acción- tras el fracaso de la conga, decidimos trasladarnos de una sala a otras siempre en fila de a uno
Ubicación- distintas salas y pasillos
Indicaciones de los/as guardas- sólo hubo problemas cuando los componentes de la fila cantaban o emitían algún sonido.
visita invertida
Acción- observar la obra con la cabeza entre las piernas
Ubicación- Sala 206.10
Obra- La Révolution espagnole, Francis Picabia
Como guía, Manuela realizó una pequeña introducción a la obra, con lo que algunos de los visitantes del museo se unieron al grupo, y planteó lo interesante que podía ser observar la revolución al revés. Todos los colaboradores metieron la cabeza entre sus respectivas piernas para comprobarlo.
Indicaciones de los/as guardas- no se pueden realizar fotos en las salas 206 e indicaron a la guía que, por favor, dijera a sus acompañantes que se pusieran en posición normal.
Observaciones- Incluye documentación fotográfica (de ahí la aclaración de la guarda de sala)
Conclusiones generales:
- En el Museo hay que ser "normal"
- No se puede hacer espectáculo (a menos que se tenga autorización para ello)
- La jurisprudencia de cada sala depende espacial y temporalmente del guarda
- Cuando la afluencia de visitantes en una sala es mayor, las normas suelen ser más restrictivas
A continuación se presenta un anuncio de Coca-Cola y después, un vídeo realizado por mi, que trata de hacer una crítica a dicho anuncio y mostrar, en cierto modo,todo lo contrario.
El primer vídeo que se muestra en esta entrada es el correspondiente al producto fina, después de haber cambiado la errata del primer vídeo editado, en el que sin querer puse "a cordes" en lugar de "acordes", en el siguiente, teniendo en cuenta los conceptos de música he incorporado la palabra "sincronización"
Vídeo creado con el fin de secuenciar una serie de ilustraciones acordes con una música determinada que trata de transmitir un sensación y una emoción a partir de la unión con la imagen.
En el vídeo que presenta esta entrada se exponen los autores de las piezas musicales, el nombre de las mismas y al finalizar se explica el porqué se han escogido. Además de ello podremos saber quién ha realizado cada ilustración y de qué cuento se trata.
Del renacimiento a la época de vanguardias, haremos un pequeño recorrido por algunas pinturas, de cada etapa, en la que distintos artistas aludieron a los instrumentos musicales en sus hermosas pinturas.
RENACIMIENTO
Artista: Rosso Fiorentino:
Título de la obra: Ángel Musical.
Época: 1522.
Instrumento: Laúd.
Figura del Artista: en el Renacimiento el artista, en este caso el pintor, deja su anonimato para ser considerado como un genio, como un “creador”, que se especializa en la ciencia y otras artes. Ya no es controlado por los gremios sino bajo la protección de los príncipes, la iglesia, y la burguesía, naciendo así los mecenas como las familias Medici, Rucelli y otras. Por otro lado surge el taller del maestro, también protectores de los artistas, que controla el acceso a la profesión de los oficiales y aprendices, y es quien recibe los encargos de los clientes, dando un valor propagandista al arte.
Además el artista goza de un estatus social alto, cuyo arte es considerado burgués, “donde el hombre es la obra más perfecta de Dios” pudiendo trabajar para el Estado, vendiendo sus obras por encargo o viviendo en casa de su mecenas.
BARROCO
Autor:
Giovanni Battista Tepolo.
Título de la Obra:
Mujer con mandolina.
Época:
1696-1770.
Instrumento:
mandolina.
Figura del Artista: Los estudios más recientes han ido desterrando la idea que
sobre el pintor se tenía, sobre una vida libertina y un incorregible vicio por
el alcohol.
Los artistas del
barroco tenían una escasa consideración social, al ser
considerada la pintura como un oficio mecánico, y como tal se encontraba sujeto a las cargas económicas y
exclusión de honores que pesaban sobre los menospreciadosoficios
bajos y serviles, prejuicios que sólo serían superados en el siglo
XVIII. A lo largo de todo el XVII los pintores lucharon por ver reconocido su
oficio comoarteliberal.
ROCOCÓ
Autor:
Jean-Marc Nattier.
Título de la Obra:
Louise- Anne de Boubon-Conde.
Época:
(1685-1766)
Instrumento:
Guitarra.
Figura del Artista: en esta época se
preocupaba principalmente por el color. Las pinturas eran muy elitistas y se
centraban en las vidas más pudientes en su aspecto más intimista. Los
artistas, principalmente pertenecían la clase aristocrática y eran contratados
principalmente por la iglesia y otras instituciones civiles. Por tanto el
artista era visto como un ser aristocrático, elitista que pintaba para
instituciones religiosas que promulgaban la glorificación de la fe y el poder
civil.
NEOCLASICISMO
Autor/a:
Zacarías González Velázquez.
Título de la Obra:
Manuela González Velázquez tocando el piano
Época:
1820.
Instrumento:
Piano.
El artista del
neoclasicismo es visto como una figura que consta de una formación intelectual
que se ve reflejada en sus obras. Éste representará a través de sus cuadros una
visión antropocéntrica y una fidelidad a las grandes obras del pasado.
La noción y el
papel del artista cambian, así como su clientela. Al artista se le considera un
genio único e irrepetible que tendrá como clientela a la burguesía en ascenso,
en lugar de únicamente la Iglesia y el estado, como ocurría en etapas
anteriores.
ROMANTICISMO
Autor/a:
Jeanne Rongier
Título de la Obra:
Cesar Franck tocando el Organo en St. Clotilde Basilica, Paris
Época:
1885.
Instrumento:
Órgano.
El artista
romántico mostró orgullo por ser un genio incomprendido. Los artistas se
caracterizaban por componer obras que no fueron encargadas y las destinaron a
un público futuro.
El artista romántico se valió del aspecto exterior y deciertas actitudes para dar una respuesta a la sociedad, para señalarse
frente aella pero también como miembro de un selecto
grupo de elegidos. Esarespuesta podía ser mediante
un gesto de rebeldía o mediante la construcción consciente de una figura, en
una propuesta.
(En sociedad el artista romántico se caracterizaba por el deseo de
abandono de la juventud o de posturas ideológicas.
Por un lado, se veía a los artistas como los reunidosalrededor del sombrero hongo, los que son partidarios de una
igualación entre loshombres; y por otro, el de
quienes, aceptando la idea del artista como un serexcepcional y diferente que tiene una misión que cumplir, llevan esadiferencia a su propio cuerpo y aspecto, rechazando de plano los
almacenesde ropa hecha en serie, que
significarían esa sociedad masa sin opinión nigusto,
a la que impactan con su aspecto.)
VANGUARDIAS
Autor/a:
Pablo Picasso
Título de la Obra:
Mujer tocando bandolina
Época:
1908.
Instrumento:
Bandolina.
Figura del Artista: el artista es
visto como un reivindicativo productor de mensajes artísticos en confrontación
con la institución arte, y la dimensión
política del accionar artístico en la sociedad, donde la libre expresión es primordial,
cuya concentración de innovaciones va dirigida hacia la búsqueda de nuevas
funciones y relaciones de poder.
Por otro lado
el estatus del artista dependía de lo innovador de sus obras, viéndose como
desfasada cualquier obra de épocas anteriores o que tuviese que ver con esas
técnicas y/o temáticas.
Además el
artista puede vender sus obras a cualquiera que pueda pagarlas sin que su arte
sea sólo propiedad de las instituciones, pudiendo acceder el pueblo a las
distintas artes y tendencias artríticas.
